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艺术,也是好玩儿的事

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摘要: 当今在世界各地掀起了一股体验沉浸式展览的热潮。有别于传统的隔着玻璃罩,一米线的展览呈现模式,观众们更热衷于进入艺术中,身临其境全情投入,360°全方位地和艺术作品互动。只是忙于体验拍照,还有多少人来得及思考作品背后想要论述的问题?科技时代,沉浸式究竟是缩短还是拉长了人与艺术的距离?或许,这些并没那么重要。看看美术馆门口排着长队等待入场感受的人群,毕竟,艺术应该是好玩儿的事。
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当今在世界各地掀起了一股体验沉浸式展览的热潮。有别于传统的隔着玻璃罩,一米线的展览呈现模式,观众们更热衷于进入艺术中,身临其境全情投入,360°全方位地和艺术作品互动。只是忙于体验拍照,还有多少人来得及思考作品背后想要论述的问题?科技时代,沉浸式究竟是缩短还是拉长了人与艺术的距离?或许,这些并没那么重要。看看美术馆门口排着长队等待入场感受的人群,毕竟,艺术应该是好玩儿的事。


随着数字技术媒介的迅猛发展,产生了沉浸式展览这样的新奇产物,展览往往加入科技含量,追求炫目的视觉感官体验,营造了多种特效,注重给观众带来的互动性,尤其是LED显示屏,声光电等多种元素结合,打造了体验感、可观性很强的沉浸式展览。并且这类展览已经形成了自身的品牌,逐渐地向全球蔓延,人们争相追捧前去观展。特别是这样类型的展览出现,无疑使得年轻人更加爱上了看展览。在欣赏展览的同时,可以满足拍照晒社交网络的愿望。观展的过程使人放松,不用多加思索与理解,犹如活在当下放任自如的感觉。


对于沉浸式展览不一定只有赞誉声,也有着不同的声音,有人认为这是视觉污染、光污染,刺激眼睛,浪费资源。抛弃了大自然的美,去体验虚拟的、不真实的美感。最主要的一点是没有了展览的学术价值与教育意义,观展满足了人们的虚荣心。几年前,风靡全球的艺术装置“雨屋”来到中国时,人们愿意排队八小时,只为进入其中感受别样的下雨体验。


无论怎样,2019年在全球范围内举办了大大小小的沉浸式展览,真可谓五花八门。其中最具知名度的是源自日本的teamLab,甚至在上海拥有了一座长期的展馆,全天展出该品牌的沉浸式展览。沉浸式展览知多少,让我们盘点一下2019年全球最具代表性的一些展览。


上海teamLab无界美术馆:许你一个无边梦幻光影世界


上海teamLab无界美术馆:许你一个无边梦幻光影世界

这个最近在国内非常热门的沉浸式展览源自日本。teamLab直译过来的意思是“团队实验室” ,光听名字令人联想到科技类的实验团队。实则这是一个用科技手段呈现艺术,呈现人、科技、创造和未来的关系的团队。teamLab 的创始人是猪子寿之。他大学就读的是应用物理专业,他注重团队合作、欣赏《海贼王》的路飞,以“Team”来命名公司。猪子寿之认为:科学能改变人类对世界的看法,艺术也行。2019年3月至8月在上海油罐艺术中心举办了teamLab展,主题聚焦于自然元素“水”。油罐的宽敞空间尤其适合沉浸式展览的呈现。打破了方方正正的空间局限,营造了虚拟大自然的壮观景象。多个装置均有很强的互动性,能随着观众的进入,脚步的移动进而发生变化。11月初,teamLab在上海的专属展馆——无界美术馆隆重开幕,拥有6600㎡超大空间,展出50件作品,设有470台投影机,共同组成了这座庞大的艺术空间。展览打破了空间的界限,没有了以往展厅的紧促感、局限感,逐渐地融入这座光影交错,变幻莫测的艺术世界。对比过去的IMAX 3D电影,强调戴上眼镜自己就能“进入”电影中。而沉浸式展览则真的令观众走入展场,化身为场景中的主角,甚至能够主导空间的变幻。如此全方位升级的体验吸引着一批又一批的观众络绎不绝地到来。


伦敦泰特现代美术馆:埃利亚松的“在真实生活中”


伦敦泰特现代美术馆:埃利亚松的“在真实生活中”

奥拉维尔·埃利亚松2019年7月在伦敦泰特现代美术馆举办名为“在真实生活中In real life”的个展。这是继他于2003年的“气象计划”之后,第二次在泰特举行个展。早在“气象计划”之时,在泰特现代美术馆涡轮大厅空间内,冉冉升起了一只巨大的太阳,散发出和煦温暖的光,将展厅全部覆盖。观众们进入展厅,好像来到了室外,在室内打造的虚拟太阳满足了阴雨如黄油面包般的伦敦人对沐浴在阳光下的奢望,观众们纷纷躺下晒起了“日光浴”。善于制造人造气象景观的埃利亚松由此一炮打响。此次在泰特美术馆的个展共展出超过40件作品,创作年代从1990年延续迄今。包括大型装置、雕塑、影像和平面作品。创作媒材更是多元,从苔藓、冰川融冰、雾气、光、反射金属,充满新奇的视觉与感官体验。埃利亚松营造的人造世界作品往往使得观众融入场景中,切身地体会与感悟,凸显了艺术家对于当下自然环境的人文关怀,以及其透过艺术手段进行的思虑。


东京森美术馆:盐田千春的千丝万缕


东京森美术馆:盐田千春的千丝万缕

近期,日本东京的森美术馆举行了盐田千春的大型个展“灵魂颤抖”。展览涵盖六件大型沉浸式装置、数百件雕塑作品、行为表演录像、照片、绘画、行为艺术文献。盐田千春是一位与丝和线有着千丝万缕羁绊的女艺术家,她运用这类看似寻常的材料构建了自己的艺术世界。红色、黑色的丝线密密麻麻,像蜘蛛网一样,看似渺小、微乎其微,实则层层编织在一起,形成一股强大的视觉力量,构建了一间又一间蔓延开来的异想空间,观众们漫步其中,并不一定能够感受到身心愉悦感,正如展览标题所示,令人的灵魂颤抖一下,思索片刻,每件作品及其呈现的空间犹如一个个电影的场景,有很多隐形的故事,身处其中,隐约地浮现出可能发生过的人与事物。这样的沉浸式体验与声光电打造的沉浸式又有着很大的不同。人生的历程就好比由各种线索交织而成,由一条线索引到另一条线索。


多哈卡塔尔国家博物馆:穿越古今的历史文化之旅


多哈卡塔尔国家博物馆:穿越古今的历史文化之旅

卡塔尔国家博物馆于2019年3月28日正式对外开放,由当今世界知名建筑设计师让· 努维尔倾力打造,博物馆坐落于卡塔尔多哈,有着独特外观与造型,被称之为“沙漠玫瑰”。博物馆内蜿蜒的展厅长廊长达1.5公里,该馆的常设展有别于通常博物馆常设展的展陈思路,观众观展的过程犹如经历一段穿越古今的旅程。不规则的建筑空间致力于营造沉浸式的观展效果。从空间开始串联成一条清晰的脉络,展示的内容涵盖音乐、诗歌、考古文物、画作、影像视频等,生动地讲述着卡塔尔的故事。馆内的常设展展馆多达11个,串联起卡塔尔的历史地理以及人文的变迁,从几百年前的半岛,演变成当今现代化的国际大都市。随着时代的发展,玻璃橱窗的展陈方式无疑已经渐渐地褪去,传统的展览也可以是沉浸式的,先例就在此。


北京中央美术学院美术馆:卡普尔的震撼之红


北京中央美术学院美术馆:卡普尔的震撼之红

英国艺术家安尼施·卡普尔在国际享有盛誉,他专注于研究装置和概念艺术,其作品遍及世界多地,尤其是他以创作大型雕塑作品而成名,作品往往放置于城市大型户外空间中,与自然环境融为一体。作为安尼施·卡普尔在中国的首次个展,展览呈现了艺术家横跨35年的重要艺术创作,并于中央美术学院美术馆与北京太庙美术馆同时进行——在中央美术学院美术馆呈现气势恢宏、自成一体的装置作品,而在太庙艺术馆展出形态优美、情绪饱满的雕塑作品。一步入展厅,三个大型传送带缓缓地将大块的红蜡运至高处,当蜡与红色混合,其生命体特征就被加强,在即将到达中央红色圆形(代表作悬浮着的巨大红色太阳)的瞬间,“啪”!随即掉落到美术馆的地板上,观众面对着面前堆积的破碎的一片血红,现场传达出的震撼是不言自明的。“这么多年来,我用了很多很多红色……正如我曾说过的,我真正的兴趣是‘非物质’( non-objects)所指涉内部的含义。我之所以一直重复使用红色,显而易见,我们的身体内部也充满了红。我所保存的数百件作品,当中大部分都是红色的。当然,这是个非常有趣的重叠,刚巧中国文化中常使用红色以及其象征意义。”卡普尔说道。


上海外滩美术馆:“哨声响起前”


上海外滩美术馆:“哨声响起前”

2019年9月在上海外滩美术馆推出了一个特别的项目:“RAM HIGHLIGHT 2019:哨声响起前”。这是以表演作为方法的理念下策划的展览,带给观众的是一场新鲜有趣的观展体验。展览的整体语境是从黎明的光线到深夜的霓虹,从历史的记忆到日常的时刻,九位/组艺术家的作品在美术馆的空间内交叉更叠。展览完全打破了固有的当代艺术展览模式,多元化的作品集合了表演、行为、音乐演出等形式。观众进入展厅之后,便能现场观赏到各类艺术表演,美术馆的空间角色化身为剧场舞台,有些演出与观众之间是零距离的,而有的表演有舞台与幕布,观众们需要等待于舞台之前,默默地期待着接下来的表演。其中,杨圆圆的《交错剧场:紫禁城夜总会的一夜》描述了二十世纪50-60年代的华裔女性群体,一场悬疑四幕戏的背后,凸显的是历史变迁中个体的情感色彩。


香港大馆美术馆:“村上隆对战村上隆”


香港大馆美术馆:“村上隆对战村上隆”

日本艺术家村上隆早已是一个有着世界热点的当代艺术家,他的创作横跨艺术、潮流、时尚等多个领域,开发了各色的衍生品,其作品拥有众多的粉丝,总能不断地吸引着人们的驻足观赏。2019年6月,香港的大馆当代美术馆举行了大型展览“村上隆对战村上隆”。此次展览由国际团队策划与打造,打破了人们印象中固有的村上隆作品的形象与体验感。展览的整体规模较大,涵盖了个人造型、地毯、画作等一系列作品。同时村上隆还带来了其他艺术作品一同参展,奈良美智、高野绫、空山基等人涵盖其中。除了超扁平画作,其实整体的展示空间是大型沉浸式的,有着大片与作品色调融为一体的墙壁及地板艺术,作品不是孤立的存在。观众能够在这样的展示空间中感受到强烈复杂的视觉冲击。


巴黎Atelier des Lumières :光影梵高


巴黎Atelier des Lumières :光影梵高

生前默默无闻,死后才被人挖掘并赏识的梵高是艺术史中一位罕见的孤寂天才画家,梵高的画作大多被收藏在荷兰的梵高博物馆或是其他博物馆、美术馆内,一般的人唯有亲自去往这些展馆,才能一睹梵高画作的真容。而伴随着时代以及科技的发展,多媒体声光电结合的沉浸式展览应运而生,不出国门便能欣赏到缤纷的梵高作品。梵高的沉浸式展览今年在巴黎掀起了一个高潮,他的静态画作化身为动感的视觉呈现,原本迷你的作品被放大,展厅的墙壁,乃至地面都有梵高的作品,观众迈步其中,犹如行走于梵高的画作里,一个个跃动的色彩好比跃动的音符,伴随着观众们的脚步,梵高的作品铺天盖地延展开来,观众愉悦地沉浸其中,这样的感受是传统画展无法营造的。


上海油罐艺术中心:“海湾到海湾”


上海油罐艺术中心:“海湾到海湾”

11月,上海油罐艺术中心呈现法国艺术家西普瑞安·盖拉德的个展“海湾到海湾”。这个有着重复名词的展览是盖拉德在中国的首次美术馆个展,展览展现了艺术家于2019年威尼斯双年展“愿你生活在有趣的时代”中的新作,同时艺术家标志性的代表作品也首次在中国呈现。盖拉德的艺术实践主要为影像、摄影及装置作品,作品聚焦那些丧失了原初功能性的人类文明产物、纪念碑和建筑遗迹等。与展览名字同名之作《海湾到海湾》是艺术家最新创作的影片,通过纪念墙类型的巨幅尺寸进行放映,传达出影片与油罐艺术中心建筑语境之间的观念性联系。作品呈现自然地质的残留被纳入由地铁墙面构成的人造结构,以及人造大型机械成为海底沉积等地质遗迹的过程。在这样的观展环境中,观众能够充分感受到作品所带来的冲击力与震撼力。


编辑— Echo 撰文— IRIS LI

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