贰零零柒大声展

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继续大声：英国篇
撰文/PETER
图片/大声展提供

引言

上期已对英国领事馆文化教育处参与大声展的来龙去脉以及参展的其中4位艺术家作报道，今期继续将其他8位艺术家的精彩作品一一呈现，由于这次14位参展艺术家中的两位，Celine Condorelli与Sebastien Noel（Trokia）已分别参加过在中国的艺术活动，城市版也进行了深入采访报道，在此不再刊登这两位艺术家的作品介绍。

Sam Buxton 对生活细节的迷恋

从著名的Mikro 3-D模型到电致发光家具，Sam Buxton对生活细节的着迷表露无遗。作为2004年伦敦设计博物馆年度设计师大奖的四位候选人之一，英国设计界的新一代勘探者，Buxton在日常生活中挖掘无限的可开发潜能，从细节中获取灵感，让人们重新看待自己的生活方式。
1972年，Buxton出生于伦敦，曾于密德塞斯大学和皇家艺术学院学家具设计，毕业后与RCA的校友、丹麦设计师Mathias Bengtsson合开了设计实验室（Design Laboratory）。目前Buxton已拥有自己的工作室，并为Kenzo和 Habita等大厂牌开发了不少商业设计案。然而，今天的成绩都离不开一张由蚀刻板雕刻的不锈钢“名片”—Mikro-Man系列的首个作品。


1 Mikro-City 2 SIOS桌子

2000年，处于创业阶段的Buxton急需要一张能突显他设计师身份的名片，而不是那种毫无创意的印刷纸片。Buxton决定把名片制成一个可以永久保存的不锈钢薄片。他先在电脑上设计图样，然后在蚀刻板上把图样雕刻出来。在伦敦的 Design Museum's 2001 设计展上，这张别具一格的名片被Worldwide Co.制造商看中，大批量生产，也成为了Mikro-Man系列的第一件商品。
2003年，Buxton根据Mikro-Man理念延伸创作出Mikro-House，这是一个仿真的居家空间，里面有厨房、浴室、客厅和睡房，整个立体空间只有8厘米高，但房子的细节极为精细，甚至连浴室的水渍及毛发、睡床上的情趣摆设都没有放过。2003年夏天，Buxton受英国设计博物馆委托设计了Mikro-City。纵横交错的马路连接着不同的建筑物，卫星电视塔高高耸立，国家电视台监视器俯瞰整个“城市”，Mikro-City宛若一幅现代都市的缩影。
除了著名的Mikro系列，Buxton创作的电致发光用品也体现了他对日常细节别具一格的态度，“为什么我们只能通过电脑或者手机等媒介的屏幕才能看到可变性的图像？为什么不能把生活用品变成‘屏幕’的一部分？”如Buxton所说，这些只是他对生活细节的固定性与可变性关系的第一步探索，将来还能走到多远，我们拭目以待，但通过Buxton的尝试，我们知道—日常生活是千篇一律还是变化多端？这有赖于我们对细节的想象力和创造性。

Wokmedia 打破禁忌的设计

Michael Cross、Julie Mathias—两个毕业于伦敦皇家艺术学院的“大孩子”，他们以Wokmedia的名义，打破陈规，把各种童稚而古灵精怪的念头变成现实，对他们而言，成长并没有约束他们的想象力，而成为实现童年冒险精神的筹码。
Wokmedia的设计包括家具、生活用品和灯饰等范畴—洪水台灯、打结马桶、吹气风扇......这些匪夷所思的名称向世人宣告了okmedia与传统的彻底分离。他们的作品形式各异而主题不变，就是要向既定的规则和禁忌挑战，打破传统设计的判断标准和审美观点，并为它们赋予新的趣味与活力。然而，Wokmedia注重的不仅仅是设计的美学，而是运用，他们相信出色的设计是对物体功能可能性的重新开发。Cross和Mathias相识于皇家艺术学院求学时期，2004年组成工作室Wokmedia，至今已参与了世界各地多个展览，作品数次展出于伦敦设计博物馆。


1 水与电的混合，使艺术品在美好的外表下显得如此危险 2 观看Wokmedia的作品，要做好进入另一个“世界”的心理准备—熟悉的一切都将发生变化

顽皮、淘气、没规没矩，这些对小孩子的指责，变成Wokmedia作品的主旨。我们从小就知道水与电是不相容的，却又忍不住产生好奇—把它们混合在一起会产生什么反应？正因如此，Wokmedia创作了“洪水台灯”：一束束的“电线”连接着通电的灯泡被放置在装满水的玻璃器皿里，发出绚丽的光芒。“吹气风扇”则延续了Wokmedia对危险的挑衅。还记得小时候无数次想把手指放入转动的风扇中，却被大人一巴掌打回来的经历吗？“吹气风扇”正为你提供了“动手”的机会。球状的风扇外安置着一个附属的微型风扇，如果想启动开关，你必须吹气于这个小风扇；更刺激的是，如果想关闭开关，则必须用手去触停小风扇，现实中被禁止的行为成为Wokmedia作品中的必须行为。是不是所有人都能够战胜根深蒂固的规则，把手伸向风扇？这正是Cross和Mathias对观众的挑衅。
“唯一的规则就是没有规则”，Wokmedia用他们的作品反抗与嘲笑禁忌，他们坚信，有一种美丽，是要靠智慧与勇气去欣赏的。

Simon Heijdens 在电影和设计之间互动

Simon Heijdens，1978年出生于荷兰布里达（Breda），曾在柏林学习实验电影，后转到荷兰的埃因霍温设计学院学习产品设计，直到2002年毕业。Heijdens的毕业作品“移动的墙纸”（Moving Wallpaper）当年曾被荷兰著名的设计团体Droog Design选中作为其收藏品，并邀请他参加一系列国际展览。在这件作品中，Heijdens使用了一种称为导电墨水（conductive ink）的特殊技术，使得墙纸的图案能够运动、变化。其原理是，在墙纸的材质里加入一种颜料，这种颜料会改变色彩，无须光线和投影，却有一种宝丽莱相片般的质感。当不相关的信息被抽离出来以后，视觉噪音也就被除去。
Heijdens喜欢通过物体的变化探索“对于事物演变过程的喜好”。这和他之前电影学习的背景不无关系。他现在的产品设计作品常常从电影的手法和精神中获得启示，通过物体的变化来演绎一个故事。


1. 树对于直接的外界环境以及其周边的物理变化有不同的反应，树枝在风吹过时也会颤动 2. 墙纸的这种功能可以通过控制开启或关闭，可以广泛应用于各种场合。

在Heijdens的“碎白”（Broken White）瓷器系列中，新的杯子和碗碟都是洁白而光滑的。然而随着时间的流逝，这些瓷器被损耗，其上覆盖的那层釉出现了一些细微的裂痕，这些裂痕慢慢形成一些花纹和图案。由于裂痕的程度由使用频率所决定，所以整套的每个单件很快就因为磨损形成了不同的表面，被经常使用的那件装饰的纹理就变得极为明显。Heijdens通过运用传统的龟裂缝技巧实现了这种特效，他在瓷器的表面上釉，确保其外表随着使用的时间延长而改变。Heijdens将自己所受到的影响归结为Fernando Pessoa、Michel Gondr y的观察角度，Guiseppe Penone的耐心，Georges Perec对于细节的敏感，Richard Long的持久，以及
Jan Svankmeyer的想象力。给作品对象注入新的意义和回忆是他作品的一个主题，对此，他的解释是，因为生长在荷兰这样一个讲求理性、规划的国家，从小他就生活在计划和预期之中。而他认为，不可预期的变化性在人造的世界中是一种尤其值得珍视的特质。
对于自然界变化的追求和对时间这一抽象元素的巧妙处理使Heijdens能从电影之中获得灵感，并在设计之中将电影般的概念实现，他对此进行的思考和记录无疑有着独特的个人色彩和跨越艺术之魅力。（撰文杜钦）

Neal Rock and Newbetter建筑结构中的童话与瘟疫


1 Neal Rock深受上世纪80年代恐怖电影影响，他喜欢用糖果般的色彩与不规则物件再现电影道具的骇人效果 2 在Hydan中，Newbetter的建筑结构采用最原始的材料，

原始而超现实隐喻着对现代化的恐惧，为Neal Rock与Newbetter团队的合作提供了灵感来源与基本概念。在Neal Rock举行的第二次展览中，Newbetter为其作品搭建的支撑结构就如Le Corbusier建筑的诡异木屋一般，与Neal作品中如童话般灿烂又如瘟疫般恐怖的现代感互相映衬。他们的合作，使建筑结构与内容之间产生新的化学作用，呈现原始建筑与现代材料间的对抗与恐怖气氛。
2000年毕业于圣马丁大学的Rock在求学时期即形成了独特而个人化的艺术语言，他对物体与材料的关系非常感兴趣，企图打破颜料、雕塑与结构这三方面的隔阂，发挥绘画在实际操作上的无限可能。有艺评家把他与杰克逊·波洛克相比较，Rock用突破常规的方式创造出抽象的艺术作品，但另一方面而言，Rock与波洛克又非常不同，他注重对颜料运用领域的尝试，对恐怖电影极度着迷，关注隐蔽于物件内部的语言与意义，他的作品如童话般甜蜜，却又如瘟疫般让人退而避之。Rock的合作伙伴—建筑设计策展事务所Newbetter，2002年成立于伦敦，由Shumon Basar、Joshua Bochover、ParagSharma共同建立，活跃于建筑、设计、评论、策展等领域，其宗旨是将复杂的信息与主题组织转化为各种空间与视觉体验，通过策划与建筑实践将文化产品与批评相结合。

Neal Rock与Newbetter的风格一繁一简，在现代化的凌乱与原始的简洁之间形成对话，向观看者展现了一种凌驾于恐怖与神秘的视觉冲击，同时形成思考—现代化到底赐予我们童话世界，还是不可避免的瘟疫？

Martino Gamper用椅子拼贴的意大利人

1 Gamper的作品背后是一个个的故事，关于材料、技术、人和地方。最终的成品则成为这所有一切的具体
视觉符号，一个美好的事物，处于用和造这两个过程之间
2 Martino Gamper之所以选取椅子作为项目的主题，也是因为废旧的椅子本身包含了一层丰富的信息—
人们的使用方式，椅子如何变得老旧—在Gamper看来，这些信息非常有趣，几乎可以说是关于人类学的

意大利家具设计师Martino Gamper1971年出生于Merano，他曾在维也纳图形艺术学院学习雕塑，维也纳实用艺术学院学习产品设计，最后在伦敦皇家艺术学院取得设计学硕士学位。Gamper曾与许多世界闻名的设计大师联手合作，比如Tom Dixon、Paul Smith、Abake等等。他的客户包括英国文化处、丹麦家居用品生产商Rosendahl、Bloomberg、米兰家居等，他的作品曾在欧洲各地的主要展馆展出。精力充沛的Martino Ｇamper同时也在母校伦敦皇家艺术学院授课，并于欧洲多国开展workshop。
Gamper对于家具设计的社会学、心理学方面有着强烈的兴趣，他对“角落”有着一种特殊的喜好，对于单一直角边界所引发的情绪情有独钟。除了对于用处不大的空间有癖好之外，Gamper对于遗弃的物品也有着一种喜好。通过重新改造被扔到大街上的家具，他集齐了一屋子相互之间没有关系的物品。有些很美，有些则显得可怜巴巴，但是放到一起，甚至是最糟糕的那些都似乎为之一跃，显出逃脱厄运的喜悦。
在Gamper的一个项目中，他在100天里以一天一个的速度制作了100张椅子并宣称“世界上没有完美的椅子”，这个项目包括了他搜
集的以及他人捐赠的废弃椅子，拼凑成为千奇百怪的“椅子”，随后集结成册，名为“遭遇椅子”。Gamper通过“解构”椅子获得了一个新奇的视角，对椅子的构造、用料都有了了解，从而有了这些新“设计”的椅子。这些椅子既滑稽，又有些荒诞，但同时也蕴含智慧，100张椅子摆在一起形成令人捧腹的场景。这个设计的过程是即时的、同步的，好比在三维空间里进行草图的绘制。
Gamper的设计手法与现代艺术发端之时，以及当代平面设计中时常用到的拼贴方法颇有几分相似，其背后的精神又似乎和达达与波普艺术暗合，他对这种手法与其引申意义的熟悉使他的家具设计综合了过往的艺术精神，又在这个时代赋予他的作品以新的意味。但他对于椅子的功能，甚至于商业方面的属性却有着自己的坚持，他表示，椅子的设计制造，最后的目的在于售卖出去。所以，他在制作完成后，自己坐到每张椅子上去尝试。这个

100张椅子的计划本来的目的是用作音乐和戏剧演出的道具，然后拍卖给观众。所以，它们不属于美丽但无用的“艺术品”，而是富有功能、形式、艺术、商业等多个层面的意义。其实用性是最为显著的，但奇巧的构思与形态也勾起使用者收藏的愿望。（撰文杜钦）

Daniel Brown自然界的数字学家

“使数字成为自然界的语言”，这是Daniel Brown对多媒体设计的态度与追求。生于1977年的Daniel Brown，是电脑程序设计的先驱一代，上世纪80年代，出于对电脑游戏的沉迷，还处于童年的他已经认定电脑在自己人生中的意义。对于Daniel Brown而言，那些天马行空的电子游戏就是艺术，所以当选择多媒体电脑创作为理想时，他相信，电脑程序应该拥有自然界不断衍生变化的神奇，应该有如天籁音律般引人聆听的力量，数字程式成为他表达自然生命力的方式。

“自然界”是他的灵感来源，但即使花朵蝴蝶等早已成为老套题材，他却为它们赋予了一股源自生灵本身的生命力。鼠标的每一寸移动都将（使图形）演化成新的生命，每一次点击都将有新的形象诞生，那些不断衍生变化的图像，就如大自然的生物般温柔而充满想象力，电脑程序的技术性被隐藏在最不显眼的位置

在对电脑不断深入的认识中，Daniel Brown开始寻求一种新的灵感，电子游戏极尽夸张暴烈的美学形式已经不能满足他的审美，他希望能找到某种方式，使电脑程序与使用者之间产生更加感性的互动，使画面成为音符般的语言，这也成为了他今后追寻的方向。离开学校后，Roy Stringer推荐Daniel Brown进入Amaze设计公司工作。1997年，他制作了自己的网站www.noodlebox.com，以生动流畅的网页设计，与当时主流的单调平实风格形成鲜明对比。随后，noodlebox变身为www.play-create.com，他用它来展示自己与其
他设计师的一些实验性作品。2004年，他获得伦敦设计博物馆的年度设计师奖。Play-create既是noodlebox的延续，也是Daniel Brown对网络程序的一次实验。
他建立play-create的首要原则就是为了证明电脑游戏不仅仅是简单地用画面刺激感观，追求强迫性质的互动，他尝试提出这样的问题，电脑程序，能否如古典音乐或者美术作品一样与观众产生感性的交流？从play-create的作品中，我们还可以看到Daniel Brown对自然的热爱与对技术的感性追求。Daniel Brown目前在著名摄影师、形象设计师Nick Knight建立的SHOWstudio工作，这是一个时尚与视觉艺术的网络平台，向人们分解和展示了时尚工业从构思到生产的整个过程。SHOWstudio给予Daniel Brown新的台阶，近年来，Daniel Brown的注意力从网络程序设计转向了声音、摄影、时尚等方面，然而，如何从一个程序设计师变成音乐家、摄影师或者插图师？SHOWstudio消解了技术与艺术的间隔，成为两者间的桥梁，使他的创作延伸至新的方向。

àb?ke 精力无限的全球化代表

活跃于伦敦的平面设计组合àb?ke可以说是全球化时代的绝佳代表。四位成员—Patrick Lacey，Benjamin Reichen，Kajsa St?hl和Maki Suzuki—分别来自三个国家：英国、法国和瑞典。四人分别毕业于英国布莱顿大学、法国国立高等装饰艺术大学、瑞典哥德堡HDK和英国皇家艺术学院，均拥有多年的平面设计专业学习背景。
但若因此认为àb?ke只是一个身份单纯的平面设计团队，那就错了。除了平面设计，

还有一些更为稀奇古怪的跨界活动，比如与家具和产品设计师Martino Gamper一起游荡在伦敦和柏林，充当临时厨师。或者，为即将到来的旅途设计明信片

àb?ke还跨界到出版、音乐和时装领域。他们与建筑杂志Sexymachinery合作，其身份不仅是设计师，同时还从事编辑工作。2001年，àb?ke与法国服装设计师Masaya Kuroki和音乐人Gildas Loaec合作创建了Kitsuné厂牌，不仅出版和发行唱片，还进行服装设计，与New Balance的合作生产的服装曾在巴黎的Colette展出。到目前为止，Kitsuné已经发行了28张唱片（主要是黑胶唱片）、47套服装和配饰、举办了35场音乐活动。
“我们可以和一个人合作，两个人合作，三个人合作，或者更多人。也或者我们中的某一个人单独与他人合作。我们与建立了多年关系的老朋友合作得更多些，但也不排斥其他人。”确实，和一般的平面设计师不同，àb?ke非常重视对内容的参与。 àb?ke目前正与伦敦的Drawing Room画廊合作进行一个名为“Laburnum飞行员”的计划，在这个计划中，àb?ke将制作完成一本杂志，杂志内容需要Laburnum街住户们的参与，他们将为这本杂志撰稿和绘画。时间已经过去了7年，还有33年的时间。谁能预料到精力无限的àb?ke还会在今后带给我们什么呢？（撰文宋敏）

Shezad Dawood 多元文化影响下的多元艺术家

原籍巴基斯坦的Shezad Dawood完全是在伦敦本土受的教育，包括在伦敦圣马丁艺术设计学院取得批评美术学学士学位（Critical Fine Arts），在伦敦皇家艺术学院修完了摄影的授课型和研究型两个硕士学位课程。截至2003年毕业时，Dawood的作品已经在印度、新加坡、澳大利亚、德国和英国等地广泛展出。

在《出租车司机》这张海报中，Dawood发掘了卡拉奇城中心破旧不堪的一面，并将其置于类似纽约时代广场的背景中。

有一天走在伦敦的Ladbroke Grove的Shezad几乎是顿悟到，他在这个区域已经生活了五年，但他从来没有注意到北肯星顿的标志—Tandoori。很快地，他把这个标志变成一件作品，终极的“现成品”。
这个单词不但代表了其字面的意义，更提供了一种关于对文化如何互相碰撞的理解。继而，Dawood又创作了“顿悟”，Tandoori被做成霓虹灯的形状，玩味语言文字和文化符号的特性。Dawood一直在不停地试图让他的观众失望或满意，他坚定地保持着一种变色
龙般的姿态，并且经常刻意地选择重新定位和变换他对于不同技巧和技术的注意力，不管是表演艺术、电影、实时艺术、摄影或是绘
画，他都有所涉猎。这是一种刻意地避免陷入任何形式的特征化的做法。
Dawood的座右铭无疑是“如果你能够，就抓住我啊！”他不知倦怠地进入又跳出文化的平台，而在此过程之中，他成功地保持了一个“超级明星”的形象，无论在台上还是台下。（撰文杜钦）