从古典音乐出发，游离于爵士、流行以至于电子等诸多不同音乐领域之间，尽管可能并不为大众所熟知；但林海这个频频被与李少红、尹涛、陈家霖、赖水清以及吴宇森等名导联系在一起的殿堂级音乐家，凭借着《大明宫词》、《锦衣之下》到《陈情令》等一系经典或热门影视剧的原创配乐作品，在音乐领域内享有独特的地位。提及林海的音乐风格，说他是「左手西方，右手东方」的天才音乐家，是最常被媒体用于描述他音乐作品的句子之一；诚然，在国内似乎很难再找到一名同样像林海这样既兼收东、西方音乐特点，又可以熟练翻玩不同音乐风格的影视配乐作曲家。
自幼成长于音乐家庭，在同为作曲家父亲的影响下，林海也走上了音乐道路。出于对声音的敏感，林海在观看影视作品时被背景音乐所吸引，由此对「配乐」产生兴趣：从日本的《追捕》到《人证》，再到好莱坞的配乐大师 Thomas Newman 或者 John Williams 等人的作品，林海开始对配乐工作产生了由衷的敬意，并最终在中国台湾音乐家范宗沛的引领下走入了影视配乐的领域。有着深耕古典乐超过二十年的坚实基础，并对爵士乐与流行音乐有着浓厚兴趣，林海的音乐作品大都有着空灵、温暖的韵味，同时他又以稳定、高产而闻名于业界。本次《周末画报》与林海展开对话，就其音乐风格的灵感来源、接触影视配乐领域的初衷以及配乐工作幕后的故事进行了深入探讨。
你影视配乐领域的启蒙来源于哪？为什么会对影视作品的声音部分感兴趣？
从大学毕业之后，我和范宗沛一起合作成立了一个工作室「 Music Gate 」。因为他起步得很早，所以算是我的启蒙老师。因为我在音乐学院学的专业是钢琴，所以我对流行音乐的制作过程是相对陌生的，也正是范宗沛教会了我通过电脑、 MIDI 进行音乐创作，我由此掌握了创作的「工具」。当时，范宗沛已经开始从事影视配乐的工作，有时候他也会把一些桥段、声部交给我，或者让我帮他录制钢琴演奏的部分，我就是这样开始逐渐接触到的影视配乐行业。在正式进入这个行业之前，我们的工作室已经开始了纯音乐的创作，包括一些宗教性的音乐、一些人们在休息时会听的音乐等等，后面也就有尝试越来越多不同的音乐元素，所以是音乐形态上从「闭塞」到「多元」的过程。
这种「积累阶段」对你之后参与影视配乐有着怎样的影响？
在上学的时候，虽然我学的是古典音乐，但因为我爱好比较广泛，喜欢听流行乐，所以特别“叛逆”，经常也会有一些不同于古典音乐架构的创作；有时候也会把同学们都叫到一起，我来写总谱，大家一起排练流行歌曲，我也得以从「古典乐」中脱离，占到了它和「流行乐」阵营的中间。对于学音乐的人来说，当年在学校外面兼职有两个主要方式：在五星级酒店里面弹钢琴，或者参与一些弦乐四重奏。我也是通过这样的方式，认识了中国最早一批玩爵士乐的乐手，由此又接触了爵士乐领域，再加上后来接触的电子、迷幻等元素，这都对我后来的影视配乐工作有着深远影响，其中则以古典乐和爵士乐为甚。我在做影视配乐之前，大学刚毕业不久，就在台湾出版了几张音乐专辑《城南日事》《日月西东》《琵琶相》《月光边境》《流动的城市》等。其中专辑《月光边境》荣获第 13 届金曲奖最佳流行音乐演奏专辑奖这些作品的出版发行是我进入影视配乐的基础。
你第一次参与影视配乐工作的经历？参与这一行业的契机是？
我进入这个行业的第一份工作是《大明宫词》的配乐，当时制片人李小婉手上有三四部电视剧在做后期、找作曲，我就整理了一些我的作品给她。和我同期的不少作曲家都想尝试，而我比较幸运，被选中为《大明宫词》制作配乐，这就是我的
第一部影视配乐作品。
你的家庭对你后来从事配乐工作有着怎样的影响？
我的父亲是一位作曲家、手风琴演奏家，也会小提琴、二胡等乐器，后来从事作曲工作以后，尝试了各种不同风格的音乐形式：儿童歌曲、舞剧、通俗歌曲……几乎囊括了他这个领域内全国最权威的奖项，甚至在小学课本里都有他的作品，他对我的影响也很大。
有没有哪些音乐人、作曲家对你的创作风格产生了影响？
因为早期喜欢的音乐都是以流行音乐为主，所以一些大家都很喜欢的歌手其实对我的风格影响也很大，比如 MichaelJackson 等。有一个不得不提的名字是 Sting ，虽然也是流行音乐范畴内，但是他的作品明显比较「高级」：除了有深度的歌词，在音乐性上的表现也很突出，经常有一些五拍子、七拍子甚至十一拍子的歌，我为扬琴演奏家黄雅诗创作的专辑《蝶舞》里的《七拍子》就是受到他的影响。至于之前提到的好莱坞那些配乐大师，他们的作品则让我眼前一亮，开拓了我在影视配乐领域内的视野。
有没有哪部影视作品的配乐，改变了你对这个行业的看法？
可能 就传 统 而 言， Hans Zimmer 或者写出了《星 球 大 战Star Wars 》的「电影配乐之父」 John Williams 可能更为大家所熟知，但我最喜欢的还是 Thomas Newman 的作品。尽管他可能并不如前两位那般光芒四射，但是包括《肖申克的救赎》在内的一系列经典作品都有着他的个人色彩 ;尤其是《美国美人》中马林巴琴的运用，造就了他独特的风格 — 有时候配乐并不需要迎合画面，反倒是这种「反差」让音乐形成了另一种思考、看法和角度。
爵士乐对于从小接受古典乐正统教育的你而言，有着怎样特殊的意义？
在我看来，爵士乐的「和声」是关键。在现在的流行音乐里，你很难见到这种复杂的复合和声，尤其是越到后期，爵士乐里的和声就越接近古典音乐。从印象派时期的 Claude-Achille Debussy 和 Maurice Ravel 开始，就或多或少受到了爵士乐的影响，他们写的和声中有很多都借鉴了爵士乐的做法，再加上爵士乐复杂的节奏，这都是很「传统」的做法，所以爵士乐和古典音乐密不可分，而很多爵士音乐家都是古典音乐演奏家出身的，这点也与我的经历有着共鸣。
你是否尝试过在商业项目上使用一些冷门、小众的音乐技巧？
肯定是有的。因为我从来不专注于风格、规则或者流派，所以我的音乐相对自由。某些技巧可能恰好合适，但如果不合适的话也不会强行结合，在配乐工作中我的原则只有一个，那就是好听就行，没有任何理论依据。至于这些技巧的使用是否「小众」，这就留给听众们自己来判断就好。
你在影视作品配乐方面的逻辑是什么？是以服务画面为主还是传递情绪？
二者是兼具的，但我首先还是会考虑画面，因为毕竟这是影视作品的「配乐」，而非一个独立的音乐项目，所以要尽量避免喧宾夺主；在这个条件下，把音乐做到有特点，又能让大家记住，才是影视配乐的最高境界，也是最难达成的。打个比方，《天堂电影院》就是能做到这种「极致」的一部作品。很多时候，我们在完成了配乐工作的初稿之后给回片方，他们很喜欢，但是又会发现这样的音乐在影视作品里很「难用」，有时候制片人很喜欢的一首歌，结果往往在一部 40~50 集的电视剧里只有一两处可以用上，而那些刚开始觉得比较「平」的音乐反而派上大用途，这也是很常见的事情。
你认为你是服务于影片本身，还是服务于观众的？
从专业角度来说，我首先是服务于影片本身，其次才是服务于观众的，这一点很难做到。在影视配乐里，如果想要达成这样的平衡，我们大都是创作出一两首好听的歌，再加上比较好的词，最后在影片的片头或者片尾呈现。然后，我们可以再把这首歌进行拆解，并且使用诸如大提琴或者钢琴来进行演奏，用不同的方式来解析歌曲以贴合画面，这样的作品在传播的方面就会有一些优势。
你通常如何通过配乐中的细节传递情绪？有没有哪些音色或者乐器的使用对于渲染某种气氛有所帮助？
以影视作品中最最常规的弦乐为例，它既可以是长线条的、抒情的，也可以是短促的、激烈的；钢琴也可以同样驾驭不同的情绪，再加上各种各样的打击乐，日本的鬼太鼓、中国的排鼓以至于非洲的鼓都能匹配不同的画面需求。还有一些不是那么主流的乐器，比如黑管或者双簧管，在氛围比较伤感的电影里一些桥段中也出现得比较多吧。在Solo 里面，我比较喜欢大提琴，因为它音域广，可以很低，高音区又很接近小提琴。
在拿到一份为影视配乐的项目之后，你的前期准备阶段包含了哪些工作内容？
电影跟电视剧的做法其实不太一样。在和电影导演碰面后，我首先需要详细了解整部电影的脉络，和导演一起梳理一遍电影，看看哪里需要配乐，从什么时间点进、什么时间点出，需要把时间点都记下来，最后根据这个来创作。电视剧则完全不同，我很少关注剧本，重点会放在画面上。在了解故事框架之后，根据一些片花或者一些已经有了的片段，来判定这部电视剧的调性、色彩，然后再根据每种情绪所需要的段落数量进行创作，通常来说一部电视剧都需要一两百个段落。
你参与的配乐工作大都是以「命题式」还是「开放式」的方式进行？
其实还是根据不同制片人的需求，有些比较有想法的制片人就会提出要求想要某种风格的音乐，甚至给到一些样板作为参；有一些制片人则比较相信作曲家的判断，就会给到比较大的创作空间。如果让我来选择，我肯定更想和第二种合作，这样做出来的东西往往会有着惊喜，尽管可能你心里对配乐已经有了预设，但你怎么知道我这边没有更好的想法呢？对吧。
导演会不会向你提出想用「某种音乐风格」，或者以某部影片作品作为参考的需求？你通常会如何应对？
其实通常来说，电影导演对每个环节都有自己的想法，并且容易先入为主带着画面来判断音乐；但事实上，往往因为导演们对于音乐没有概念，所以经常会产生争执，在一开始的时候往往争得面红耳赤，最后把音乐贴进画面里的时候，他们才会体会到作曲家的创意。在不少项目中，一开始很难说服导演，但到最后都还是会以我的想法为主。导演或者制片人与作曲家的沟通，往往忽视了观众的想法；但在现代电影中，对观众的引导也尤为重要，包括如何用音乐感染他们等等。其实说不上对与错，但是还是希望导演们能给到作曲家更多的创作空间，也给到一些不同配乐手法的发挥余地。所以，与多次合作过的导演共事会让我更舒服，毕竟双方都习惯了对方的制作风格和工作习惯，因此就会出现「御用班底」这样的说法。
你愿意主动去尝试什么样的商业项目？
我什么类型的项目都愿意尝试，其实我挑选项目的标准就是两点：项目是否足够有趣，预算是否充足。其实很多人不理解，为什么音乐要花钱？但事实上音乐制作是相当烧钱的一个工作，从录音棚的设备、聘请乐手进行录制到后期，所涉及的大量工作人员都是需要花很多钱来组织的；更不用提前期学习阶段的支出，更是一笔非常大的投入了。
随着 6 月1 日《著作权法》新规落实，能不能举例说明它将如何切实地保障音乐创作者的权益？
现在的一些平台对于创作者可能过于「霸道」了 — 剥夺了从录音著作到词曲成品的种种权利，原创音乐人在完成创作之后却发现一无所有，这对创作热情和创作自由而言是一种沉重的打击。如今我在创作配乐的时候，写出非常精彩的作品之后我会有点不敢交给片方，因为那样等于把这部作品「送」出去了，我相信这样的现象不止在我身上发生，这对于音乐创作领域的影响可想而知。 《著作权法》对音乐人而言是一种保护机制，也让我们看见了一点希望。
在通过不同风格的配器 / 音色来呈现「中国风」的时候，有没有哪些通用的逻辑？
就像大家描述中的我，「左手西方，右手东方」其实应该用钢琴的演奏技巧来解释。通常来说，在钢琴演奏中，左手是伴奏，右手是旋律 — 我比较擅长的正是东方的旋律，但我会用很多西方的和声。在包括戏曲在内的中国传统音乐中，音乐基本都是单旋律的，音乐人在唱什么，乐器是跟着旋律走的，不像西方音乐是有和声、复调等纵向的展开，所以结构上较为单一。因为我从小接触了很多西方音乐的教育，但骨子里又有民族的旋律，所以在用东方乐器演奏时，其实伴奏里还是不由自主地用到西方和声和东方旋律的结合。当然，我创作的音乐内容不仅局限于古装影视剧的「中国风」配乐，其实对于有着古典乐和爵士乐扎实基础的我而言，也许都市现代题材的影视作品更适合我。
为什么「管弦乐」的使用对于影视配乐领域而言如此重要？
其实最直观的体现是，在我们还没有接触如今这么多电影的时候，判定一部影视作品是不是「大制作」，除了通过演员阵容和画面，配乐上如果使用的是管弦乐，那么它一定是一部大制作 — 成本的高低决定了「管弦乐」的配置在一开始就有着很高的起点，也始终都是电影工业传统里的重要组成部分。另外，作为起源更早的音乐，管弦乐在经过了长久的沉淀，几百年来一直都是最被认可的音乐形式之一，整个声音的结构已经让人们形成了收听的习惯，如果在这基础上再添加一些电子或者流行的元素，就可以让配乐的整体更加丰满、立体。
近期还有没有什么想尝试的音乐形式？创作方式？
最近在思考自己的钢琴专辑。近两三年内，我得到了很多奇奇怪怪的音色，积累至今已经不少了，比如一些奇怪的打击乐、声音片段、合成器的音效等等，不管是自然音效还是人造音色，它们中的部分很漂亮、很有空间感，所以我想做一张钢琴专辑来把它们与钢琴结合，做一张「跨界」的专辑。
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