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转个弯,艺术才刚刚开始

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摘要: 艺术家马塞尔·杜尚在25岁的时候,用立体主义的手法完成了作品《走下楼梯的裸女》。结果他被超现实主义的同行在展览上拒绝了。他意识到,所谓新锐艺术家依然被保守思想束缚。至此,杜尚断然放弃了传统艺术形式。5年后,他提着小便器送到军械库展览,名字叫做《泉》,亦重新定义了艺术这个词。
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艺术家马塞尔·杜尚在25岁的时候,用立体主义的手法完成了作品《走下楼梯的裸女》。结果他被超现实主义的同行在展览上拒绝了。他意识到,所谓新锐艺术家依然被保守思想束缚。至此,杜尚断然放弃了传统艺术形式。5年后,他提着小便器送到军械库展览,名字叫做《泉》,亦重新定义了艺术这个词。每一个艺术家都会面临那特别的一次:一个突发的事件,一场对话,或是身处环境的变化,这点亮了他们艺术生涯一种新的心灵图景,也悄悄地点亮了世界的眼睛。


奥拉维尔·埃利亚松,《冰钟》

奥拉维尔·埃利亚松,《冰钟》


这个月初,在北京UCCA尤伦斯当代艺术中心刚结束的巴勃罗·毕加索作品展“毕加索—— 一位天才的诞生”中,一共展现了艺术家103件作品,这些创作于1893至1921年间的作品,代表了这位现代艺术史上最为大胆和多产的艺术家形成与演变的历程。巴勃罗·毕加索出生于西班牙,9岁开始作画,92岁去世。他是第一位活着看到自己作品被法国卢浮宫收藏的艺术家,也是立体主义最重要的创始人之一。毕加索的艺术生命可以分为5个大时期:蓝色时期、红色时期、非洲土著时期、立体派时期、新古典主义时期。“我14岁就画得和拉斐尔一样好,但我毕生都在追求如何像一个孩童一样去绘画。”毕加索曾说。


痛苦与改变

1901年2月17日,巴黎,一个晚上,一群年轻人在一个名叫Café de L’Hippodrome的咖啡馆里聚会,在酒精的作用下,气氛愈发热闹。其中,有一个20岁的男士卡萨吉玛斯(Carles Casagemas)坚定地站起身,向其中一位同伴法国女人杰曼(Germaine Gargallo)求爱,被随即回绝了。一怒之下,他举起手枪企图攻击心上人,她躲进了桌子底下,子弹打偏了。“这一枪给我自己!”卡萨吉玛斯怒喊。他将枪对准自己的右脑,扣动了扳机。当晚,这个年轻人死在了医院。这桩二十世纪普通的社会新闻,却影响了毕加索的一生。


当时毕加索19岁,卡萨吉玛斯是他的挚友,他们一起从西班牙来到巴黎定居,卡萨吉玛斯阴郁又极端的性格像黑洞一样吸引着毕加索。他们几乎形影不离,每天都在一起谈论艺术、诗歌和女人。人在痛苦与绝望的时候,生活会随之发生改变。而对于艺术家而言,这样的改变又体现在作品的风格上。朋友的离世让毕加索进入了蓝色创作时期。他认为,蓝色代表他的痛苦,这个时期大部分作品都是用这个色调。起初,毕加索画了数幅卡萨吉玛斯的肖像,到了1903年,画作《生命》达到了忧郁的最高峰。他借鉴塞尚的粗线条表现方法,内容也比以前更深了一层,并着意于下层人民生活中悲凉与凄楚的一面。画面左侧的情侣以裸体形式出现,代表着放纵的爱情。而右侧是一个抱婴儿的母亲,一脸沧桑的妇女注视着一旁的那对青年男女,目光严厉,充满了生活的负重感。中间还有两幅似是草图的绘画,分别为一痛苦的女子蜷缩在男子怀里,二人相拥;和一名孤独的痛苦抱膝的女子形象。两幅画,由两人到一人,刻画的都是在生活的重压下疲惫不堪的人们,从相依为命到孤苦无依的生活境遇,以表达艺术家心中那种排遣不去的忧郁与彷徨。


在同一时期,毕加索还有一张经典的自画像。画面中,艺术家面无表情,把自己藏在黑色的大衣里,透露出丝丝阴冷的气息。也是从蓝色时期开始,毕加索放弃模仿前辈的后印象派绘画风格,转而塑造真正意义上最早的个人风格,并逐渐确立了最初的艺术身份。


死亡是大部分人最大的恐惧,却也成了很多艺术家打破界限的催化剂。去年,美国艺术家贝蒂· 伍德曼 (Betty Woodman),唯 一 一 位在世时在大都会博物馆举行回顾展的女性艺术家和陶瓷艺术家辞世,享年87岁。“我希望我的作品能有更广大的文化含义 , 可以出现在博物馆中,而不仅仅出现在拥挤的碗橱里。”她说。 她用其一生达成了此愿。她做过充满巴洛克形式的色彩丰富的盘子、杯子等日常物件,也做过大型陶瓷装置刷新了人们对这一材料的认知,赋予了它另一种当代身份。


1930年,伍德曼出生于美国康涅狄格州,起初她对于手工艺产生兴趣源自她的木工父亲,并如愿成为了一名陶艺师。后来,受到以女权女艺术家乔伊斯·柯兹洛夫(Joyce Kozloff)和辛西娅·卡尔森(Cynthia Carlson)为代表人物的“ 图案与装饰”运动的影响,40岁的贝蒂·伍德曼开始寻求艺术更多的可能性。


而风格转变的另一原因,则源自家庭的变故。伍德曼的女儿弗兰切斯卡(Francesca)自小酷爱摄影并如愿地考入著名的罗德岛设计学院,毕业后搬到了纽约,寻求职业摄影师的发展道路。后来,由于职业受挫加上与男友分手的原因,弗兰切斯卡跳楼自杀 ,年仅22岁。 这件事给伍德曼的生活笼罩上了浓重的阴霾。


贝蒂· 伍德曼的作品也因此变得更加“另类”起来。陶瓷艺术被发展出多种奇特的形式: 比如将陶瓷花瓶打碎,碎片拼到墙上;将原本的陶瓷大水罐做成枕头的形状,把陶瓷做成各种雕塑,甚至还能做成 大型装置。怎样不合乎逻辑,就怎样地出牌。最早的作品可以追溯到《枕头罐子》系列。盛水的罐子不再是常见的样子,而是和松软的枕头联系在 一起。奇特的造型加上鲜艳的颜色,让这一系列作品格外具有时尚感。随着年龄的增长,伍德曼反而越是走上背道而驰之路。她更为熟练地掌控着看似混搭,凌乱的作品。她仰仗于视觉记忆与经验,作品成为记忆的渠道,来源于一幅风景画,一座建筑,或其他一些视觉刺激。在她的灵感之下,陶瓷这种材料早已突破了固有的局限性,它可以是立体的,也可以是平面的,在贝蒂· 伍德曼不断深入的艺术实验中,陶器脱离了日常,愈发被引入了当代艺术的范畴。在伍德曼之前,一个人不可能既是一名陶瓷工作者,又享有艺术家的身份。


肖恩·斯库利,《蓝墙》(Wall in Blue)

肖恩·斯库利,《蓝墙》(Wall in Blue)


马塞尔·杜尚,《泉》

马塞尔·杜尚,《泉》


回应社会翻天覆地的变化

所处时代的变化对艺术创作有着最直接的影响。欧洲17世纪的荷兰小画派和唐宋时期的人物画,无一不是艺术家观察生活和忠实表现生活的范例,画布上生动的描绘都带着鲜明的时代印记。时间流转到现当代,虽然艺术家的创作内容粗一看都带着很多非写实因素,但丝毫没有削弱他/ 她们对社会的敏感体验。达利《内战的预感》是当时笼罩在西班牙国土上的内战的预兆在画家头脑中反映的产物,奥拉维尔·埃利亚松用来自冰川的冰块创作了雕塑《冰钟》向世人发出全球变暖的警告,妮基· 圣法勒在上世纪60年代做了一个躺卧的巨型女性形态装置,长28米、宽9米、高6米被放置在瑞典斯德哥尔摩的当代美术馆中。参观者从“她的私处”进入,里面有天文馆、电影放映室、咖啡座和一些艺术品等。是为女权主义有力的发声,让人联想到话剧《阴道独白》中的台词:“在这里,我们破除神秘、羞辱和恐惧,尝试着,说出‘阴道’这个词,因为我们知道,这是解放我们、让我们自由的词。”


“抽象”一词在今天已成为一面任人摇掷的形式大旗,当极简主义变得愈发苍白,我们再去回看那些熟悉的抽象艺术大师们,他们艺术风格的转折,他们的抵抗与坚持,便显得尤为动人。肖恩·斯库利是战后抽象主义绘画中一位重要的国际艺术大师,《金融时报》认为他“与历史上那些用绘画赋予人类愉悦感、探索人性重要价值的艺术大师并驾齐驱”。斯库利的艺术之路,是从传统具象绘画开始的。在他1967年《房间里的人》中,还能明显地看到马蒂斯一般的用色与结构。


1975年,这位爱尔兰人来到纽约,他开始使用工业材质,用粗鬃毛刷在画布上肆意挥舞,或将层层胶带藏在丙烯涂色中。“当时的美国社会非常野蛮、暴力,但这种动荡不安、‘达尔文式你死我活’的状态又非常吸引我,我像矿工般生活,肩负着开采重任。我喜欢用胶带创作,它们让颜料更具条纹感,当我把胶带揭开时,会发出一种嗡嗡声,就像俳句和禅学经义一样。”他完全放弃了具象感——采用条纹、条带和油漆块状颜料—— 探索情感穿透力在色彩中的潜能。“我觉得抽象艺术有一种催眠性的魅力。它让我觉得没有包袱,因为我是一个很有包袱的人。”他说。


编辑— Echo 撰文— bgx 设计— Haru

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